土耳其浴室什么
1. 卢浮宫内有什么名画
《岩间圣母》
此画是列奥纳多·达·芬奇应一宗教团体之请而为米兰的圣弗朗切斯科教堂的一间礼拜堂作的祭坛画。此画以圣母居图中央，她右手扶婴孩圣约翰，左手下坐婴孩耶稣，一天使在耶稣身后，构成三角形构图，并以手势彼此响应，背景则是一片幽深岩窟，花草点缀其间，洞窟通透露光。此画虽属传统题材，然表达手法和构图布局皆表明达芬奇的艺术水平之高深。人物，背景的微妙刻画烟雾状笔法的运用，科学地写实以及透视，缩形等技术法的采用，表明了他在处理逼真写实和艺术加工的辩证关系方面达到了新的水平。
《蒙娜丽莎》
此画是文艺复兴时代画家列奥纳多·达·芬奇所绘的丽莎·乔宫多的肖像画。法国政府把它保存在巴黎的卢浮宫供公众欣赏。它代表达·芬奇的最高艺术成就，成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。画中人物坐姿优雅，笑容微妙，背景山水幽深茫茫，淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“无界渐变着色法”般的笔法。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合，对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位，也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系，达到神韵之境，从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵，那如梦似的妩媚微笑，被不少美术史家称为“神秘的微笑”。
《土耳其浴室》
此画是安格尔描写女性人体的巅峰之作，画作充分展示了女人的曲线美和青春的活力，使人们感受到了一种旋律、一种诗意。现藏于卢浮宫。
《路易十四肖像》
此幅里戈的肖像画继承了拉吉利埃的画风，着力描绘华丽的服饰和人物高贵的气度，往往将被画者置于某种特定的环境，或将画中人扮成神话中的人物，借以加强被画人的身分和某种气势 。有人说里戈是画者之王，也是王之画者。
《拿破仑一世及皇后加冕典礼》
这幅画是雅克·路易·达维特奉拿破仑的命令而作，描绘的是1804年12月2日拿破仑在巴黎圣母院举行的加冕仪式，作品宏大，人物服饰华丽，现存于巴黎卢浮宫。
2. 安格尔生平事迹有哪些除了《泉》和《土耳其浴室》，还有哪些作品
安格尔出生于1780年。他从师于当时着名的艺术家大卫。他成名之后，一直是法国古典主义学院派的首领，多年担任美术学院的领导工作。但是，安格尔对现实的革命斗争却是一点兴趣也没有的。他斥责籍里柯的作品应该从博物馆中扔出去，他对德拉克洛瓦更是厌恶至极，把这位浪漫派的大师当作一个“怪胎推销员”而不屑与之为伍。这种顽固的保守态度正是典型的古典主义学院派的作风。安格尔追求的是一种唯美的古典主义。他于是高喊“要创新，要跟上我们时代的步伐，一切都在变，事物已在起变化”这一正确言论是“荒唐的格言”，是“诡辩”。因此，安格尔的“艺术与美”已成了脱离时代，徒然追求形式的空洞的美。这位学院派大师已把美带进了死胡同。但是，安格尔以其87岁的高龄对艺术孜孜以求的精神是可贵的，他一直顽强地坚守自己的立场，直到他1867年去世。此外，安格尔作为一个古典主义的伟大巨匠，在其长寿的一生创作的大量作品中，也不乏优秀之作，尤其是他的素描与肖像作品。他在这方面，无愧于一个大师的称号，但他创作的其他作品，如《荷马的礼赞》、《路易十三的誓言》、《拿破仑的凯旋》及《圣女贞德》等，艺术成就都不太高。
3. 一副着名的油画，画的是一个女人，双手举着一个罐子，举过头顶，胳臂弯曲，有清水从罐子里流出，叫什么名
这幅油画作品出自安格尔的《泉》。
《泉》（spring），别名《春之仙女》，是法国新古典主义画家安格尔于1830年至1856年所创作的一幅布面油画，现藏于法国奥塞美术馆。
该画运用柔和并且富有变化曲色彩和柔美的曲线，表现出女性人体的古典之美。年轻的裸女手拿陶罐，让里面的永缓缓地倾例出来，微屈的双膝和因举起陶罐所表现出的肌肉曲线营造一种典雅、纯洁的脱俗之美。
安格尔（Ingres，1780—1867）大卫的学生，新古典主义的代表画家。安格尔追求“绝对的美”，认为古希腊和拉斐尔的艺术是完美无瑕的典范，并认为造型的形式美才是绘画的根本。
他推崇古典的艺术法则，强调理性原则，重视素描和线条的作用，忽视色彩的表现作用，并反对直接表达感情和想象。代表作有《路易十三的誓言》《荷马的礼赞》《利维尔夫人像》《大宫女》《土耳其浴室》《泉》等。
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创作背景：
在西方古典艺术家的眼里，女性形象是他们普遍钟爱的表现对象，米洛的维纳斯，被奉为永恒的经典，代表爱与美的维纳斯，即使双臂残缺仍不失为一种美；提香塑造了乌尔比诺的维纳斯，达·芬奇塑造了好多女性形象，代表了古典艺术的典型形象……安格尔的题材并不多，甚至反反复复画同一题材、使用同一造型——女性。
1830年，安格尔在意大利佛罗伦萨逗留期间，开始为作品《泉》起稿创作，可是迟迟没有完稿。直至1856年，76岁高龄的他才在助手亚历山大·莱格菲和吉恩·保罗艾蒂安·巴尔泽的协助下完成此画。
最初在安格尔心中构思的“泉”，是仿效意大利大师们在画维纳斯时的愿望，企图使形象更单纯化的“维纳斯”样式。
4. 法国新古典主义绘画大师安格尔最着名的代表作是什么
我就简单的说：德沃赛夫人才算他真正的杰作，体现了女性的端庄，古朴典雅，优雅高贵的气质，性感妩媚，体态丰满；德沃赛夫人的优雅，文静，文雅，端庄性格发挥的淋漓尽致。再加上巴洛克发型，体现了德沃赛夫人的高贵优雅女王气质。算得上是一位女郎。他主要以女性人体的各种画：肖像画，裸体画，神话等。《泉》安格尔法国安格尔一生画了大量的女人体绘画，着名的有《瓦品松的浴女》、《土耳其浴室》、《大宫女》、《泉》等。其中最着名的作品是《泉》。他通过一个抱罐子倒水的裸体少女的形象，表现了他终生追求的古典美。安格尔在描写女性人体画上技巧娴熟、达到了很高的艺术水平。阶级的上层人物，其中妇女又占多数。代表作有《德沃赛夫人像》、《莫第西埃夫人》、《雷维尔小姐》、《贝尔坦像》、《帕格尼尼像》等，其共同的特点是造型准确，画法精细，构图严谨。
5. 新古典主义画家安格尔的代表作《泉》《土耳其浴室》《大宫女》，他的绘画有什么样的影响
安格尔崇拜希腊罗马艺术和拉斐尔，和大卫一样捍卫古典法则，但又对中世纪和东方异国情调表现出浓厚的兴趣，因而被一些艺术史家戏剧性地划入浪漫主义画派。
安格尔是一个对自然崇拜得五体投地的多情者。安格尔在向希腊人和拉斐尔讨教之前，先学习了自然。他曾断言：“希腊人就是自然；拉斐尔之所以是拉斐尔，就是因为他比别人更了解自然。”安格尔并不能完全放弃明暗的处理，他还使用很强的，鲜艳得过分而不真实的颜色，以弥补作品色彩的冷淡。在这种情况下，我们看安格尔的画通常会有这样的感觉：线条画得太乾净了。正是这种线条的乾净把安格尔引向抽象，会使画面毫无内容，但为了表现明暗和反射（使作品富有内容），他也会把线条打断，使之带有“绘画性”，可是在这种有如金属一般坚硬的“绘画性”中，却没有一般“绘画性”所必不可少的那种流畅和“灵魂”。当他的线条变得过于准确时，他就以细节来压倒它，画上一堆纯属低级的趣味的装饰物。但当他模仿提香时，那简直就是拉斐尔，这时的作品就成为珍贵的杰作。当他初访罗马之后，他又完善了自己的绘画风格，越来越多的杰作出现了，他的艺术也到达了鼎盛期。
安格尔对表现女性裸体充满了热情，他的自然道路就是爱神的道路。他对女色的嗜好是深刻而一贯的。当安格尔的天才同青春美丽妖娆的女性结合在一起时，创造力往往是空前的。肌肉、曲线、酒窝、 土耳其浴女柔韧的皮肤——一切的一切，我们都可以从他的油画上看到。
《土耳其浴女》是安格尔的优秀创作之一。画中的裸体组成了一个中间性的基调，小小的蓝、红、黄各色斑块，如宝石一样嵌缀其间，只是稍显模糊，但非常和谐一致。在女性美的表现上，安格尔克服了他那种感官上的爱好，赋予了它以传奇的魅力。这幅画反映了安格尔借助众多的“洁净”、“洗练”优美的人体来表现一种单纯与丰富、动态与静态的完美结合。每个浴女是一种“洗练”和“洁净”的形式，众多的“洗练”和“洁净”结合在一起就使得形式更为丰富。这冷静、幽雅精于用线和微妙的明暗色调来体现人体表达方式，是来自古典主义的传统；但是，这种真切而又超越真实，单纯而又变化丰富，柔美而又不柔弱甜媚的抽象意味，以及作品中所流露出来的浓郁的东方情调，是传统的古典艺术中所从未有过的。
安格尔把对古典美的理想和对具体对象的描绘达到了完美统一的程度。 在安格尔画的所有描绘女子裸体的油画之中，《瓦平松的浴女》和《泉》无疑是最好的二幅。《瓦平松的浴女》作于1808年，安格尔时年28岁。美妙的女子背影使他激动得竟至无暇过多顾及技术。半明和半暗的调子在这柔嫩的背上颤动着。色彩虽然相当原始，却也不无悦人之处。绿色的帘子、浅黄色调的身体、白色的床单、白色带红的绸头巾一一全部安排在一个平面上，如在镶嵌饰物中一样和谐地交织在一起。
安格尔从1830年在意大利佛罗伦萨逗留期间就开始创作《泉》，但一直没有完稿。二十六年以后，当他已是七十六岁高龄时才画完此画。这幅画是安格尔的得意之作。“泉”把古典美和女性人体的美巧妙地结合在一起。出色地表现了少女的天真的青春活力，是他毕生致力于美的追求的结晶。这虽是他晚年的作品，但所描绘的女性的美姿却超过了他过去所有的同类作品。“泉”也是西欧美术史上描写女性人体的优秀作品之一。由此可见，安格尔的造型力纯粹是对现实的一种感性的占有，在他的构图创作中，只有当他的可能拜倒于女人面前时，他才创造了真正的艺术作品。
安格尔一生中在裸体素描上下过精深的功夫，而且只有当他面对裸体模特儿时，他的现实主义真知灼见才特殊地显现出来。他曾说：“标准的美——这是对美的模特儿不间断观察的产物”，还认为：一幅画的表现力取决于作者的丰富的素描知识；撇开绝对的准确性，就不可能有生动的表现。掌握大概的准确，就等于失去准确。那样，无异于在创造一种本来他们就毫无感受的虚构人物和虚伪的感情。这位古典主义绘画的末代风流画家，吸收文艺复兴时期前辈大师的求实的技巧，使自己的素描技巧发挥到炉火纯青的境地。这里所不同的只是，象马萨卓、米开朗基罗、乔尔乔奈等大师的裸女体现的是一种充满人性的时代理想，而安格尔在裸女上所寄予的理想，则是“永恒的美”这一抽象概念。究其实，乃在于寻求以线条、形体、色调相谐和的女性美的表现力。这在他那些描写土耳其宫女的
裸女画上尤为明显。晚年，安格尔画了这一幅《泉》，则进一步反映了画家对美的一种全新观念，那就是他深深觉得用精细的造型手段创造一种抽象的古典美典范的必要性。76岁高龄的安格尔，终于在这一幅《泉》上，把他心中长期积聚的抽象出来的古典美与具体的写实少女的美，找到了完美结合的形式。
他在这幅画上展示了可以得到人类普遍赞美的美的恬静、抒情和纯洁性。有一位评论家参观了《泉》后说：“这位少女是画家衰年艺术的产儿，她的美姿已超出了所有女性，她集中了她们各自的美于一身，形象更富生气也更理想化了。” 《泉》大概在意大利佛罗伦萨时就开始酝酿了，那是在1820年的事，为什么事隔36年后才最终完成此稿呢？这还得从他的学生保罗·巴尔泽和亚历山大·德戈弗两人说起。最初在安格尔心中构思的“泉”，是仿效意大利大师们在画维纳斯时的愿望，他早在1807年就画过一些草图，后来不满足前人已画过的“维纳斯”样式，企图使形象更单纯化。有人认为这幅画最初是由上述两个学生协助完成的。 安格尔经常在同一主题或构思中进行复制，有时花上几年甚至几十年工夫。 1857年，《泉》被迪麦泰尔伯爵收购，成为私人藏画品。后根据这位伯爵的遗嘱，他的家属于1878年将此画赠给国家，终于成为巴黎卢浮宫内又一镇馆之宝。
6. 你们家乡有哪些令人“目瞪口呆”的奇特习俗
我家乡没有什么奇特的习俗，分享一些了解到的奇特习俗吧。
喀麦隆：母亲可以嫁给亲生儿子，虽然喀麦隆法定婚龄是女子15岁以上，男子18岁以上，但在农村仍保留着传统的早婚习俗，有的女孩2岁订婚，9岁结婚。在城市，男女青年的结婚年龄一般在20岁左右。
一般来说，未来婆婆在媒人的陪同下邀请未来儿媳一同沐浴。在浴室里，未来婆婆不仅要看儿媳的长相和身材，还要看她的骨盆，骨盆大的女子才能给家里带来多子多福的好运。另外，未来儿媳的体味如何，有没有狐臭也是考察的重点。由于土耳其人的饮食以奶酪和肉食为主，体味重在所难免，有狐臭的女子被认为是不吉利的，人们认为那是真主惩罚她的缘故。
7. 《土耳其浴室》体现了什么
安格尔终其一生，只得到了《泉》这一件神灵工作，他的其他作品大多体现了女性一种富贵、慵懒的媚态，这方面的代表，主要在《土耳其浴室》中得到充分的展现。《土耳其浴室》也是安格尔晚年的作品，安格尔说：“美的形体——在这里一切都是富有弹性的和饱满的。”由于柔和的圆线，在人的视觉与心理的感觉上不受任何阻力，故能引起舒适的快感，安格尔在女性的饱满柔软的肉体上，找到了他的这种“美的理想”。《土耳其浴室》的轮廓就采用了一个完满的圆形。展现在其中的，是一间土耳其浴室，在这间看起来非常宽阔的浴室中，安格尔以裸体的女性几乎将画面填满，留下的上下两个空间，也是完美的半月圆形，其中的裸女，身体丰满，给人一种强烈的肥腻的“肉感”，她们姿态各异，有坐着的，有躺着的，有站着的，有的弹奏着音乐，有的在凝神细听，有的做着各种各样的姿态，她们全都神情冷漠、平静，但那种慵懒的媚态依然透过那丰满的肉体展现出来。可以说，安格尔的这幅《土耳其浴室》展现了一种低级的肉体美，也可以说它展现了当时社会中那种停滞不前的懒惰的风气。
8. 安格尔绘画的特点是什么
安格尔(1780年—1867年)出身在一个很有艺术教养的家庭里，父亲是一个装饰雕刻家、肖像画家和音乐家，也是他的启蒙老师。15岁时当他看到一张从意大利带回来的拉斐尔《椅中圣母》的临摹品时，他回忆说：“我激动得热泪盈眶，这个印象决定了我今后的命运。”从此他对拉斐尔崇拜之至，曾说：“如果早生三百年，我会成为拉斐尔的弟子。”1797年，他到巴黎进入大卫特的画室，两年后考入重新恢复的皇家美术学院。他因学习成绩优异，多次获奖。1806年他以奖学金去罗马深造。并在那里创作了大量的作品，包括他的名作《浴女》。1820年他从罗马迁居佛罗伦萨，在那里画了许多肖像画。还为家乡创作了大型祭坛画《路易十三的宣誓》。1824年回巴黎，受到官方的热烈欢迎。翌年当选为皇家美术学院的院士，并自设画室，从他学画的有百余人。1829年，安格尔任皇家美术学院的副院长、院长。1835年再次去罗马，1841年才回到巴黎。从40年代末到50年代，他画了许多优秀的肖像画，包括他的名作《泉》。逝世之前画家还在孜孜不倦地研究拉斐尔和古典艺术的精品。
安格尔一生的艺术活动极为活跃，他作为学院派古典主义大师留下了丰富的作品，其中有神话、宗教故事、历史画、肖像画、女人体和大量的素描，其中以肖像画、女人体和素描成就最为突出。
《泉》安格尔法国安格尔一生画了大量的女人体绘画，着名的有《瓦品松的浴女》、《土耳其浴室》、《大宫女》、《泉》等。其中最着名的作品是《泉》。他通过一个抱罐子倒水的裸体少女的形象，表现了他终生追求的古典美。安格尔在描写女性人体画上技巧娴熟、达到了很高的艺术水平，但是与文艺复兴时期一些表现了进步思想倾向的女性人体艺术相比，就显得思想贫乏，而只局限在女性人体美的追求上。从当时的环境来看，只是迎合了上层社会和资产阶级的艺术趣味和从一个角度体现了他们对享乐的追求。
安格尔一贯迷恋于女人体的描绘，但是他的全部艺术遗产中最有价值的则是大批的肖像作品。他的肖像画描绘的对象多是资产阶级的上层人物，其中妇女又占多数。代表作有《德沃赛夫人像》、《莫第西埃夫人》、《雷维尔小姐》、《贝尔坦像》、《帕格尼尼像》等，其共同的特点是造型准确，画法精细，构图严谨。
此外安格尔在艺术理论上也有高深的造诣，他的艺术论可以有助于人们对他作更为全面的了解。
9. 故宫武英殿的西北角，有一处圆形穹顶建筑，这座建筑的作用职能是什么
在故宫外朝熙和门以西，有一座始建于明代永乐年间的武英殿。在武英殿院内西北平台上有一处建筑，风格与周边的红墙金瓦、琉璃卷檐截然不同。
位于武英殿的浴德堂，可能是紫禁城里最特别的建筑之一，异域风情的圆形穹顶，瓷砖贴面的墙，还有一个大大的池子，这些奇特的构造到底是做什么的至今众说纷纭。
或许它最初的身份是元代所建的土耳其浴室，走进明朝便成为帝王斋戒沐浴的地方，但更多的结论还是倾向于它是清代书局的熏蒸车间。对于浴德堂的真正用途，目前故宫博物院官方也没有确切的定论。
10. 19世纪欧洲油画：从天堂神话到人间真情指的是什么（二）
泉法国安格尔
作为法国古典主义画派最后的代表，安格尔代表着保守的学院派，与当时新兴的浪漫主义画派对立，形成尖锐的学派斗争。
泉安格尔
安格尔并不是生硬地照搬古代大师的样式，他善于把握古典艺术的造型美，把这种古典美融化在自然之中。他从古典美中得到一种简练而单纯的风格，始终以温克尔曼的静穆的伟大、崇高的单纯作为自己的原则。他的绘画吸收了15世纪意大利绘画、古希腊陶器装饰绘画等遗风，画法工致，重视线条造型，尤其擅长肖像画。在具体技巧上，务求线条干净和造型平整，因而差不多每一幅画都力求做到构图严谨、色彩单纯、形象典雅。这些特点尤其突出地体现在他的一系列表现人体美的绘画作品中，如《泉》、《大宫女》、《瓦平松的浴女》、《土耳其浴室》等。
1805年，安格尔完成了《里维耶夫人肖像》一画，这幅肖像在色彩方面无疑也是安格尔的杰作之一。匀整的颜色如同镶嵌一样和谐地结合在一起，色彩显示着形体，带有某些起伏的暗示，但没有求助于阴影。身体和衣服用象牙白突出来，组成画面的受光部分，深蓝色的沙发则组成画面的阴影部分。这两种颜色都被纳入到黑色的背景之中。红、黄两色的小小变化无害于整体效果。个性和朴实的表情、明暗和单纯——使这幅肖像画别有一种优美滋味的就是这些。这幅作品于1806年在沙龙中展出，但是它独特的、革命的、哥特式的风格特点招来了许多批评家的愤怒。事后，安格尔去了意大利，在当时奉承研究15世纪的佛罗伦萨绘画，目的是要把自己的风格提高到文艺复兴时期的水平，改造当时的绘画。他曾说过：“艺术发展早期阶段的那种未经琢磨的艺术，就其基础而论，有时比臻于完美的艺术更美。”那时他被中世纪的艺术深深吸引着。
1824年安格尔在巴黎开办了自己的学校，那些追求原始主义的年轻人都投向了他。他追求直率而纯洁的原始风格，把宗教画当作心爱的体裁，对中世纪文艺复兴时期感兴趣。他认为使艺术健全的道路在于通过希腊人和拉斐尔·桑西去研究自然，注重细节的刻画，而主要是务求线条干净和造型平整。他强调纯洁而淡漠的美，这与大卫的艺术观点是相对立的。在对待古希腊的态度上，安格尔无疑投入了更多的感情和热情。
安格尔的声誉如日中天时，也正是古典主义面临终结、浪漫主义崛起的时代。他和新生的浪漫主义代表人德拉克罗瓦之间发生许多次辩论。浪漫主义强调色彩的运用，古典主义则强调轮廓的完整和构图的严谨。安格尔把持的美术学院对新生的各种画风嗤之以鼻，形成学院派风格。
安格尔生前享有很大的声誉，死后安葬在巴黎着名的拉雪兹神父公墓。
《泉》大概从1830年安格尔在意大利佛罗伦萨逗留期间就开始酝酿，但一直没有完稿。最初在安格尔心中构思的泉，是仿效意大利大师们在画维纳斯时的愿望。他早在1807年就画过一些草图，后来不满足前人已画过的维纳斯样式，企图使形象更单纯化。26年以后，当他已是76岁高龄时才画完此画。据说曾有助手帮他绘制，如有人认为这幅画最初是由他的两个学生保罗·巴尔泽和亚历山大·德戈弗协助完成的。
叔本华在两个世纪之前就这样写道：“人的相貌有如象形文字，这种象形文字是可以破译的……他的相貌概括了他所要说的一切。”《泉》表现的是一个宁静、优雅的少女，带有天真少女所特有的纯洁与青涩、梦幻与活泼，在一泓清泉的流溢下，与葱郁的背景相得益彰。就画面本身而言，《泉》把古典美和女性人体的美巧妙地结合在一起，少女的肌肉因安格尔美丽柔缓的曲线而更具魅力，色彩运用的非常柔和而富于变化。从作品的意义而言，《泉》并没有晦涩的隐喻和做作的批判，仅仅是作者对宁静安详的向往之情的艺术依托，是作者毕生追求的美的载体。有一位评论家参观了《泉》后说：“这位少女是画家衰年艺术的产儿，她的美姿已超出了所有女性，她集中了她们各自的美于一身，形象更富生气也更理想了。”
安格尔一生中在裸体素描上下过精深的功夫，而且只有当他面对裸体模特儿时，他的现实主义的真知灼见才特殊地显现出来。他曾说：“标准的美——这是对美的模特儿不间断观察的产物，”还认为一幅画的表现力取决于作者的丰富的素描知识，撇开绝对的准确性，就不可能有生动的表现。掌握大概的准确，就等于失去准确。那样，无异于在创造一种本来他们就毫无感受的虚构人物和虚伪的感情。
这位古典主义绘画的末代风流画家，吸收了文艺复兴时期前辈大师的求实的技巧，使自己的素描技巧发挥到炉火纯青的境地。不同的只是，像马萨卓、米开朗琪罗、乔尔乔奈等大师的裸女体现的是一种充满人性的时代理想，而安格尔在裸女上所寄予的理想，则是永恒的美这一抽象概念。究其实，乃在于寻求以线条、形体、色调相谐和的女性美的表现力。这在他那些描写土耳其宫女的裸女画上尤为明显。晚年，安格尔画了这一幅《泉》，则进一步反映了画家对美的一种全新观念，那就是他深深觉得用精细的造型手段创造一种抽象的古典美典范的必要性。76岁高龄的安格尔，终于在这一幅《泉》上，为他心中长期积聚的抽象出来的古典美与具体的写实少女的美，找到了完美结合的形式。
安格尔经常在同一主题或构思中进行复制，有时花上几年甚至几十年的工夫。例如，他的一幅《罗哲与安吉莉卡》有2幅复制，均作于1841年。《保罗与弗朗切斯卡》有5幅复制，最早的作于1819年，其余的分别作于1856年以后。有时，他的这幅画上出现了另一幅画上曾经出现过的个别人物形象，比如《瓦平松的浴女》上的形象，再次出现在后来的《土耳其浴室》一画上；《授圣餐的圣母》中的圣母，是从《路易十三的誓言》一画的构图中搬来的，其中有一个天使的脸差不多和他的《土耳其浴室》上的裸女一模一样。这一幅《泉》基本上与《阿纳底奥曼的维纳斯》（1848年作，现藏于法国尚蒂伊贡德美术馆，画的内容为从海水泡沫中诞生的女神，故此处画的是维纳斯从海水泡沫中升起，周围有许多小爱神簇拥着）雷同，仅具有微小的变化。此外，周围一群小天使形象被删去了。这种创作特点过去有人认为是安格尔创作思想枯竭的表现，这样说未免太武断了些。当然，古典主义画家除了画模特儿很少到现实生活中去，但安格尔本人却解释为，这是使主题更接近自己的理想，形象更趋完美的一种求索精神的反映。
当《泉》完成之后，画家对人说：“同时出现了5个买主，有人简直向我猛扑过来。他们争执不休，我几乎要让他们抓阄。”《泉》确实具有人们所向往的那种纯粹的美的品质，尽管她是画家深藏心底达半个世纪的理想化身，一旦付诸画布，人们确对这位艺术家的镂月裁云之作而发出由衷的赞叹。1857年，《泉》被迪麦泰尔伯爵（也翻译为为玖沙泰里伯爵）收购，成为私人藏画品。后根据这位伯爵的遗嘱，他的家属于1878年将此画赠给国家，成为巴黎卢浮宫内又一镇馆之宝。
安格尔愿意把自己称为历史画家，这是因为自17世纪法兰西皇家绘画雕刻学院成立以来，传统的古典主义信徒一直把历史画视为最高的等级（第一等级为历史画、神话宗教画；第二等级为风俗画、肖像画；第三等级为风景画、静物画）。但是，从美术史的角度来看，安格尔最出色的是肖像画和人体画，如果把他的肖像画和人体画再加以比较，就会发现他成就最高的是女人体画。
梅杜萨之筏法国籍里科
此画的创作，源于当时的一个真实的丑闻事件。19世纪初，法国海军部任用了一个根本不懂得航海的人肖马雷任远洋船“梅杜莎号”的船长。这艘巨型船在驶往非洲途经布朗海峡时触礁沉没，船上有权势的人都乘小船逃命，遗下150多名乘客和船员。他们为生存造了一只木筏漂泊海上，半个月后得救的时候，筏上生还者只有15人，上岸后又死去2人。这宗海难事件激起法国人的强烈不满，法国海军部受到社会各界舆论的谴责。富有正义感的画家籍里科从这一真实事件出发，创作了这幅世界名作——《梅杜萨之筏》。
画家创作过程中，阅读了生还者的回忆文字，并访问了幸存的那几个人，请他们作指导，还自己做了一只类似梅杜萨的木筏，亲自在海上漂泊，以获取真实的环境、气氛和对大海风浪变幻的体验。他构思良久，先后构图多幅。为了能真实地再现当时的情景，他亲自到病院观察垂死的人的情态。为了描绘死者的肉体色彩，他将解剖的死人体浸于海水中观察其色彩变化，他还请黄胆病人为他做模特儿，据说病中的德拉克洛瓦就曾做过他的模特儿。这幅画描绘了遇难者呼救的紧张瞬间，他们居高呼喊远方的救生船。画家有意在背景上画一风帆，逆风将木筏往后吹行，遇难者向往救生船的心情和逆风逐渐将木筏往后吹的现实造成对立的紧张气氛。激情正是浪漫主义精神所在，但画中那座人体构成的金字塔不免有古典主义的遗风。在这幅画中浪漫主义的激情和古典主义的造型交织在一起，构成由古典主义向浪漫主义过渡的杰作。